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目前，美国高等美术教育呈现多元化。根据美国高等教育网站提供的2005年收集的统计数据，美国4000多所（4391所）高等院校中，在公立和私立的基础上可以大致分为五类：其一是两年制大专（AssociateColleges）；其二是研究型大学（ResearchInstitutions）；其三是培养硕士为主的大学和学院（Master'sUniversitiesandColleges）；其四是以培养本科生为重点的学院（BaccalaureateColleges）；其五是专门学院（Special-focusInstitutions）。这五大类，可以概括为三种大学：第一种是两年制大专，以社区学院为代表；第二种是四年制的综合性大学，其中包括从培养本科、硕士到博士的三类综合性大学和学院；第三种是专门领域的学院，如美术学院、音乐学院等。根据这三种大学，笔者归纳了三种现行的美国高等美术教育模式。 现行的高等美术教育主要有三种模式：1.美术学院（AcademyorArtInstitute）；2.综合性大学（UniversityandCollege）的美术系；3.社区学院（CommunityCollege）的美术系。美术学院沿袭了传统的欧洲美术学院传统，侧重美术学科的专门人才培养，同国内的美术学院类似，例如著名的芝加哥美术学院（TheArtInstituteofChicago）、宾夕法尼亚美术学院等（PennsylvaniaAcademyofFineArts）；综合性大学的美术系为高等美术教育的主要渠道，其蓬勃发展主要是二战之后，例如伊利诺伊大学（UniversityofIllinois-UrbanaChampaign）美术系、耶鲁大学（Yale）美术学院等。社区学院的美术系只提供大专课程，一些毕业生可进入综合性大学继续完成本科学业，而且其面向当地社会各种群体，例如塔拉哈西社区学院（TallahasseeCommunityCollege）等。本文将侧重阐述前两种模式。 一、传统的美术学院 美国早期高等美术教育主要是传统的美术学院（Academy），综合性大学美术系的发展主要是二战以后。传统的美术学院的发展经历了学习欧洲的过程，从办学管理和教学方法都吸收了欧洲各国的经验。 从18世纪起，大多数的美国艺术学生主要是到欧洲的美术学院求学。当时最流行的是法国学院派教学，几乎各大洲都以其为原型来建立自己的美术学院。而18世纪法国学院派的模式又是对中世纪的学徒制和文艺复兴时期欧洲学院传统的发展。 在论述美国早期美术学院的形成和发展之前，先来介绍欧洲早期美术学院的背景。 学院"Academy"，指专门的学院，最早由古希腊的柏拉图提出，是公元前385年建立的以培养哲学人才而建立的专门学校，而今天是指培养专门领域或专业的人才的学院，如美术、音乐、建筑学院等。有些美术学院还使用"Institute"，其意义与前者相同，都突出专业性这一特征。 到中世纪时期，学徒制（ApprenticeshipSystem）成为最主要的美术教育方式。由地方和国家行会控制的私人画室或手工艺作坊，是年轻人学习美术技艺的场所。一些大师或著名的艺术家都拥有自己的工作室，来制作或生产艺术品、工艺品。他们雇用学徒来为他们服务，同时教授学徒基本的技法，学徒必须严格遵循师傅的教诲。这种教学类似中国传统的拜师学艺，师傅言传身教的教学方法。主要依靠经验教学。 到文艺复兴时期，莱昂纳多·达·芬奇（LeonardodaVinci）把艺术作为一门科学来研究，同时他提倡学习数学、几何学、医学，尤其是解剖学。他的这种新的观念使美术教学也发生了相应改变。文艺复兴时期的美术学院开始开设几何学、人体解剖学等课程，开始以理论为基础的结合实践的教学。其发展了中世纪师徒制的以经验为主的教学。 最早的美术学院在16世纪兴起于意大利，在17世纪得到广泛发展。1563年，美迪（Cosimode'Medici）建立了欧洲第一所美术学院--德赛格诺美术学院（AccademiadelDisegno），即佛罗伦萨美术学院的前身。学院的学生研究传统雕像，学习数学、透视、比例、几何、解剖和构图学。教学观念是为了摆脱以经验为主的教学，取而代之以理论为依据的教学。其成为文艺复兴时期美术学院教学理念的基础：寻求实践和理论之间的平衡。 从意大利，美术学院作为专门培养艺术家的机构的办学思想，传播到欧洲其他国家，例如荷兰、法国和英国。到1729年，仅在意大利就有500多个美术学院。1648年，法国皇家绘画和雕塑院成立，其是当时欧洲最大的、最有影响的、组织最完备的美术学院。其课程安排成为后来18世纪和19世纪欧洲和美国美术学院教学的核心课程。首先，学生学习素描，由临摹大师的版画复制品和教师自己的作品入手，然后以素描写生来研究雕塑，主要是古代的雕像的石膏复制品，即石膏像，最后画人像和人体素描。其中，人体素描是最高级的课程。 18世纪，大多数的美国艺术学生到欧洲接受专业美术教育训练。1765年，在麦休普拉特（MatthewPratt）的一幅名为《美国学校》的绘画作品中，描绘了一组美国学生聚集在美国画家本杰明·维斯特（BenjaminWest，1738-1820年）在伦敦的画室中学习素描和绘画的场景。画室中摆满了古希腊和罗马的雕塑、雕像，学生从研习素描石膏像开始，然后进行人像写生，本杰明·维斯特借鉴英国皇家美术学院的教学方法，注重肖像和历史题材的绘画。许多本杰明·维斯特的学生学成回国，成为美国早期高等美术教育的先驱，他们带回了从欧洲学到的美术教育理念并着手发展美国的美术学院。其中，查尔斯·威尔逊·皮欧（CharlesWilsonPeale）是美国美术学院的建立者之一，同时还是宾夕法尼亚州美术学院的校董之一；约翰·桑拔（JohnTrumbull）在1820年成为纽约美术学院主席；赛缪冒斯（SamuelMorse）在1826年成为国立设计学院主席。通过他们的不断努力，早期的美术学院相继建立，培养美术的专门人才。[1]美国早期的美术学院主要兴起于东北部大都会地区，从大城市向其他地区发展，例如1972年在纽约建立的哥伦比亚美术学院（ColumbianAcademy）、1802年建立的美国艺术学院（AmericanAcademyoftheFineArts）、1826建立的国立设计学院（NationalAcademyofDesign）、1850年建立的美国艺术联盟（AmericanArtUnion）、1857年建立的库珀联盟（CooperUnion）、1870年建立的艺术学生同盟（ArtStudentsLeague）、1896年建立的纽约艺术学校（NewYorkSchoolofArt）等学院和机构。今天，其中大多数已经不复存在，但艺术学生同盟仍然存在，而且保持了其最初的办学传统；在费城，建立于1807年的宾夕法尼亚州美术学院（PennsylvaniaAcademyofFineArts）是目前为止仍然现存的美国最老的美术学院；波士顿并不像纽约和费城那样很早就拥有众多的美术学院，直到1897年才建立了第一所美院。[2] 在19世纪，更多的美国留学生到欧洲求学，其中主要集中于法国、德国、英国、意大利等国的美术学院和私人画室。以法国为例，根据法国巴黎高等美术学院（EcoletheBeaux-ArtsinParis）的档案记录，[3]在1807-1894年期间，仅仅巴黎高等美术学院就录取了100多名学习绘画和素描的美国留学生，在1863-1900年间，在巴黎的主要三大私人画室（AlexandreCabanel，Jean-LeonGerome，andIsadorePils'sAteliers）中学习绘画和素描的美国学生就超过200人。这些人中包括后来许多美国著名的艺术家和艺术教育家，例如威廉·莫里斯·亨特（WilliamMorrisHunt）、约翰·辛格·萨金特（JohnSingerSargent）、托马斯·伊金斯（ThomasEkins）、威廉·梅里特·切斯（WilliamMerrittChase）、弗兰克杜维耐克（FrankDuveneck）、柴尔德·哈萨姆（（ChildeHassam）以及玛丽·卡萨特（MaryCassatt）等。他们所接受到的美术教育比早先本杰明·维斯特的教学更为全面和深入。这些人回到美国后，开办美院或画室，把他们在欧洲所学传授给更多的美国学生。 其中，威廉·莫里斯·亨特在欧洲求学12年，分别在意大利罗马、德国杜塞尔多夫和法国巴黎学习。1855年，他在波士顿开办画室教学，尤其传授法国巴比松画派的技法，他还招收了许多女学生。托马斯·伊金斯在法国巴黎和西班牙求学，在1870年，回到费城在宾夕法尼亚州美术学院执教，他带回了严格的写实训练，特别是人体解剖教学。他甚至邀请医学专家给学生讲解人体解剖，学生也会亲自解剖尸体。威廉·梅里特·切斯在德国慕尼黑美术学院学习5年，同时他广征博揽，学习法国、西班牙等国大师作品，他回到纽约艺术学生同盟（ArtStudentsLeague）教学，他对学生讲："时刻保持一种吸收状态。吸收各家各派之长，然后综合所学进行创造。"[4] 传统的美术学院在20世纪20年代经历了一次大变革，其主要原因是现代派艺术思潮的兴起。曾经在多所美院执教、拥有50年教龄的维尔巴耐特（WillBarnet）在1982年的一次访谈中回忆道："当我在1929年离开波士顿博物馆美术学院时，那时是传统美术学院的终结，传统的法国学院派教学被时髦的现代派方法所替代，到处都是这样。在接下来的20世纪30-60年代，这种趋势一直延续，传统美术学院的教学被改变，基础课上，石膏像被砸碎，传统学院派教学被认为过时了。"[5] 从巴耐特的回忆中，我们可以感觉到当时现代派思潮对传统学院派教学的冲击。现代主义（Modernism）出现于18世纪末到20世纪初之间，其是对古典和传统的挑战。现代派艺术抛弃了西方文化传统上的艺术作品对于自然的真实摹写。[6]对于现代派来说，对于真实世界外观的描写已经不是艺术的主要功能之一，而"创新"则成为一种新的流行标准。前卫艺术家拒绝传统学院派的素描和绘画教学方法，不再追求写实。作为一种结果，他们不仅放弃了明暗画法和线性透视画法，还摒弃了以文学和艺术家生活为依托的主题和题材。（Greenberg，1963）正如哈里森（Harrison，1997）所说："如果现代派在产生时是反学院派的，那么在它的发展过程中也是这样的。这是因为现代派的整体存在的模式与传统学院派的价值观格格不入。" 现代派强调个性张扬，自我表现，它成为美国现代美术教学的主要特征。现代派的理论基础源于本质论（Formalism）。第一位提出一种理论，并把本质论实施于教学实践的美国美术教育家是20世纪初期的阿瑟维斯利窦（ArthurWesleyDow）。他提出了以设计元素和原理（ElementsandPrinciplesofDesign）来进行艺术创作，主张以线条、色彩、机理、明暗、对称、主次、平衡、对立、重复等设计的基本要素和原理来构建艺术作品。他在纽约哥伦比亚大学师范学院的教学中实施了这一理论，而他的学生又继续传播这种观念到下一辈的艺术家当中，他培养了象乔治欧克夫（GeorgiaO'Keeffe）和马克斯·伟伯（MaxWeber）等美国第一代现代派画家。 如果阿瑟维斯利窦是第一位在美国提出一种现代派的美术教学理论的教育家，那么第一位把欧洲现代派理念介绍到美国的应该是汉斯·霍夫曼（HansHoffmann）。汉斯·霍夫曼在20世纪30年代从德国移民美国，之前，他在慕尼黑的画室中教授现代派绘画，积累了丰富的教学经验。来到美国后，他先后在加州伯克利大学和纽约艺术学生同盟教授绘画。后来，又在普罗温斯顿（Provincetown）自己开设了美术学校教授现代派绘画。罗伯特·马德维尔（RobertMotherwell）、艾德雷恩哈特（AdReinhardt）和许多纽约画派的现代派画家都经常参加霍夫曼的夏季课程班。霍夫曼的教学深深地影响了美国现代高等美术教育。霍夫曼的教学不同于阿瑟维斯利窦的偏重理性的以设计原理为基础的教学理念，他注重画面结构的感性空间，更侧重对油彩的处理，追求画面的直觉表现和视觉张力。他的"推和拉"（PushandPull）理论是一种在平面上创造视觉张力的新方法。他说："在绘画的二维平面上创造的空间和深度，不是以文艺复兴时期所创造的线性透视法，来安排物体逐渐消失于视觉消失点的方法来实现的。恰恰相反，运用推和拉原理可以创造出一种视觉张力，使人感受到空间和深度。"[7]这种理论在画面的空间处理上，要求持续贯穿画面的每一部分，即整体连续性。霍夫曼还要求学生寻找自我，寻求自我内心的直觉表现，以及精神的释放。费兰（Phelan）在1981年提出："在过去的50年间，唯一的影响美国画室教学的理念来源于德国的包豪斯（Bauhaus）学院。"[8]与霍夫曼同时期，在20世纪30年代末，一批为躲避纳粹迫害的德国犹太移民来到美国，其中包括一些包豪斯的教师。他们的现代派艺术教学经验，至今仍影响着美国的高等美术教育。其中，代表性人物有：沃尔特格劳普斯（WalterGropius）1937年在哈佛大学执教，墨霍里纳吉（LaszloMoholy-Nagy）1939年在芝加哥执教新包豪斯学院，周瑟夫阿尔博茨（JosefAlbers）30年代到50年代在黑山学院（BlackMountainCollege）以及耶鲁大学执教。 包豪斯学院的办学理念是培养学生尽可能多地尝试各种材料，来获取个人体验，对材料的性能进行拓展，创造更新的艺术品。创造性和个性得到充分发展。维克（Wick）认为包豪斯学院是一种新型的学院派，"现代主义的美术学院"。[9]包豪斯学院的教学计划分三步进行：学徒期、熟练期、精通期。预备课程又分为三个阶段：最初阶段，基础课，学生在六周时间内，尝试各种材料，对各种材料获得直观体验；第二阶段，学生在六周内只研究某一种材料，对材料进行更深入的了解。这一阶段以后，学生被录取到正式学徒班，开始3年的学习。包豪斯的教师周瑟夫阿尔伯茨（JosefAlbers）认为，学生学习的过程比最终创作的作品更重要，他主张学生尽可能多地尝试各种材料媒介。在教学之初，他并不介绍任何"理论"，目的是避免学生抄袭或重复他人。教师根据学生的经验而提出相应的启发性建议，培养学生的创造力。在一堂课上，他培养学生的创造性思维，要求学生使用白纸的四边来创作作品（传统上，白纸是被用来写字画画的），学生可以折叠它，也可以用针缝合它。周瑟夫阿尔伯茨将他的教学理念实施于黑山学院以及耶鲁大学美术学院的教学中，影响甚广。 |
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